- El streaming ha transformado el modelo clásico de ventanas y la forma de medir el éxito del cine.
- Netflix combina estrenos directos en plataforma con un uso estratégico y limitado de las salas.
- Las plataformas han democratizado el acceso y la producción, pero generan saturación y retos de visibilidad.
- El futuro pasa por modelos híbridos donde cines y streaming conviven con hábitos de consumo bajo demanda.
El auge de las plataformas de streaming como Netflix ha puesto patas arriba la industria del cine en apenas unos años. Lo que antes pasaba casi siempre por la taquilla y las salas tradicionales, ahora se decide en el salón de casa, delante de una pantalla conectada. Este giro no solo afecta a cómo vemos películas y series, sino también a cómo se financian, se producen, se estrenan y se miden sus resultados.
En este nuevo paisaje conviven debates sobre la viabilidad de los cines, el protagonismo de Netflix, el papel del streaming y el futuro de los creadores. La pandemia aceleró cambios que ya estaban en marcha, los modelos híbridos se han consolidado y, mientras tanto, Netflix ha pasado de ser el gran enemigo de las salas a utilizarlas como escaparate estratégico y herramienta de marketing. Todo ello ha reconfigurado las reglas del juego para majors, festivales, cineastas independientes y espectadores.
De la sala oscura al botón de “ver ahora”: cambio de paradigma
Durante gran parte del siglo XX, las salas de cine fueron el centro absoluto de la experiencia cinematográfica: las películas se estrenaban en pantalla grande, disfrutaban de una ventana exclusiva de entre 90 y 180 días y solo después llegaban al vídeo doméstico, la televisión de pago o el abierto. Ese circuito, muy rígido, garantizaba que la taquilla fuera la gran vara de medir el éxito.
La irrupción de Netflix en 2007, primero como servicio de streaming y después como productora y distribuidora global de contenido original, empezó a erosionar ese esquema. Informes como el de PwC apuntan a que, en torno a 2022, cerca del 70% del público mundial ya consumía cine principalmente a través de plataformas online, frente a un 30% que seguía teniendo la sala como opción prioritaria. El centro de gravedad del negocio se desplazó silenciosamente al hogar.
Este nuevo modelo ha obligado a replantear la formación de los futuros profesionales del sector. Grados especializados, como el Grado en Cine de la Universidad del Atlántico Medio en Canarias, han incorporado a su programa el análisis del streaming, los algoritmos, los datos de consumo y las nuevas ventanas de distribución, porque entender estas dinámicas ya no es un plus, sino una necesidad básica para cualquiera que quiera vivir de contar historias en imágenes.
La definición misma de éxito se ha transformado. Donde antes todo giraba en torno a la recaudación en taquilla y el box office del primer fin de semana, ahora pesan métricas como horas vistas, repeticiones, número de cuentas que han visto al menos X minutos o, sobre todo, cuántos suscriptores nuevos atrae o retiene un título concreto. Netflix ha presumido, por ejemplo, de cifras como las de “Red Notice”, con más de 364 millones de horas reproducidas en sus primeros 28 días, un récord interno que marca el listón competitivo en el entorno digital.
El acelerón de la pandemia y el auge del modelo híbrido
La crisis sanitaria de la COVID-19 fue el gran terremoto que aceleró el cambio de manera brutal. Entre 2020 y 2021, con los cines cerrados o con aforos muy limitados en medio mundo, los grandes estudios no tuvieron más remedio que estrenar en digital producciones que, en otros tiempos, habrían sido lanzadas como grandes eventos presenciales.
Películas como “Soul” en Disney+ o “The Irishman” en Netflix demostraron que el público estaba dispuesto a pagar por ver estrenos potentes desde el sofá. A la vez, títulos como “The Trial of the Chicago 7” (Netflix) o “Wonder Woman 1984” (HBO Max) apostaron por estrenos directos o simultáneos en plataforma y en cines, rompiendo de facto el tabú de las ventanas largas.
Este periodo también fue devastador para muchas salas. Según datos de la Unión Internacional de Cines (UNIC), más de una cuarta parte de los cines europeos cerraron de forma permanente entre 2019 y 2021. Las grandes franquicias y superproducciones como “Avatar: The Way of Water” siguieron siendo capaces de llenar salas, pero buena parte de los títulos medianos y pequeños se vieron desplazados hacia estrenos digitales, reduciendo la oferta competitiva de los cines.
Aun así, la experiencia de ver una película en pantalla gigante, con sonido envolvente y una atmósfera compartida, sigue teniendo un encanto que el salón de casa no replica del todo. A partir de ahí, los grandes estudios han ido moviéndose hacia un esquema híbrido más matizado, donde conviven ventanas acortadas, lanzamientos simultáneos y estrenos escalonados según el perfil de cada obra.
En 2021, por ejemplo, “Black Widow” (Disney) y “Dune” (Warner Bros.) se exhibieron con fórmulas de estreno dual, permitiendo que el espectador eligiera si verlas en cine o en plataforma. Este modelo híbrido se ha consolidado como una solución de compromiso entre las exigencias del mercado digital y la defensa de la experiencia cinematográfica tradicional, aunque siga generando roces con parte de la vieja guardia creativa.
Netflix: de revolucionario del salón a jugador clave en la pantalla grande
En paralelo a esa transformación general, la relación de Netflix con las salas de cine ha sido una montaña rusa. La compañía nació pensada para el consumo en casa, pero pronto quiso ser también una major a la altura de los grandes estudios de Hollywood, con producción propia, presencia en festivales, aspiraciones a los Oscar y la ambición de marcar agenda cultural.
Uno de los primeros hitos fue “Beasts of No Nation” (2015), que se estrenó de manera simultánea en un pequeño circuito de salas estadounidenses (31 cines) y en la propia plataforma. El experimento desafió de frente el modelo clásico de ventanas y puso muy nerviosas a las grandes cadenas de exhibición, que veían cómo la exclusividad en taquilla saltaba por los aires en favor de un “streaming primero”.
Las tensiones no tardaron en dispararse: cadenas norteamericanas y festivales prestigiosos empezaron a vetar películas de Netflix si no garantizaban un recorrido en salas convencional. El argumento principal era que los estrenos casi directos en plataforma podían erosionar la rentabilidad y la relevancia de la experiencia en cines, vaciando unas salas ya muy presionadas por otros cambios tecnológicos.
Netflix defendió su postura insistiendo en que su negocio pasaba por poner al usuario en el centro y dar valor a la suscripción: si obligaban a los clientes a esperar meses para ver un estreno por priorizar la taquilla, estaban traicionando la propuesta de servicio. Estrenar directamente en la plataforma mandaba, según su discurso, un mensaje de exclusividad y recompensa a quienes pagaban cada mes.
Mientras tanto, la compañía aumentaba su volumen de producción original, con títulos cada vez más ambiciosos y autores de renombre. Filmes como “Roma” de Alfonso Cuarón, “Marriage Story” de Noah Baumbach o “The Power of the Dog” de Jane Campion se produjeron y distribuyeron bajo el paraguas de Netflix, combinando estrenos limitados en cines para cumplir requisitos de premios con lanzamientos globales en streaming que multiplicaban su alcance.
La pandemia cambió por completo el tono del debate. Con HBO Max, Disney+ o la propia Warner abrazando también los estrenos directos o simultáneos, la posición de Netflix dejó de parecer tan rupturista. Películas como “Mulan”, “Viuda Negra” o “Godzilla vs. Kong” llegaron al mismo tiempo a plataformas y salas, certificando que el viejo modelo estaba tocado de muerte y normalizando lo que Netflix llevaba años proponiendo.
De la confrontación al pragmatismo: un modelo híbrido “a la Netflix”
Superada la fase más dura de choques con la exhibición tradicional, la estrategia actual de Netflix pasa por un híbrido muy calculado, donde las salas no son el centro, pero sí una pieza valiosa. La compañía ha entendido que, para determinados títulos, la pantalla grande es un amplificador cultural muy potente y una herramienta de marketing de primer nivel.
En los últimos años, Netflix ha optado por dar estrenos teatrales destacados a producciones con gran potencial de impacto. Un ejemplo especialmente llamativo es su plan de llevar a salas la temporada final de “Stranger Things” en un número reducido pero significativo de cines, aprovechando el tirón del fandom y la experiencia comunal de ver juntos un episodio muy esperado.
También se ha apostado por títulos como la lujosa adaptación de “Frankenstein” de Guillermo del Toro o por el fenómeno “Las guerreras K-pop” (a menudo citada como “Las guerreras KPop”), que se ha convertido en el primer largometraje de Netflix en lograr el número uno en la taquilla de Estados Unidos. En este caso, el camino fue curioso: primero rompió récords en la plataforma y después dio el salto a las salas, donde su comunidad de superfans sostuvo un estreno limitado muy rentable en términos de notoriedad.
Según explicó Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, el éxito de “Las guerreras K-pop” en taquilla fue posible precisamente porque antes había pasado por la plataforma. El algoritmo empujó la película a los espectadores más afines, generó visionados repetidos entre los fans más entusiastas y alimentó un fenómeno viral casi imposible de replicar con un estreno clásico centrado en el primer fin de semana de taquilla.
Esta dinámica encaja con la visión actual de Netflix, que ve en los cines menos un canal de ingresos directos y más un altavoz cultural. De hecho, la propia compañía reconoce que la recaudación en salas de estos estrenos es sólida, pero no es el objetivo principal: lo que buscan es multiplicar la visibilidad, reforzar la idea de evento físico alrededor de sus marcas y estrechar la relación emocional con su público.
La tendencia se extenderá a futuros lanzamientos con fuerte componente comercial, como la nueva adaptación de “Las Crónicas de Narnia” dirigida por Greta Gerwig o el spin-off “Las aventuras de Cliff Booth”, basado en el personaje de Brad Pitt en “Érase una vez en Hollywood”. Ambas producciones están llamadas a tener paso previo por salas, con ventanas de exclusividad antes de aterrizar en la plataforma, en algunos casos incluso en formatos premium como IMAX.
La función real de las salas en la estrategia de Netflix
Para entender del todo el papel del cine tradicional en el plan maestro de la compañía, conviene distinguir entre series y películas dentro del catálogo de Netflix. Las series son el gran motor de retención y consumo intensivo: cuantos más episodios y temporadas ve el usuario, más difícil será que cancele la suscripción.
Las películas, en cambio, suelen ser piezas más puntuales, pero con alto valor de novedad y prestigio. Sirven para diversificar la oferta, atraer a nuevos segmentos de público, alimentar conversaciones culturales y dar la imagen de que el catálogo está en constante renovación. Aunque no generen tantas horas de visionado por usuario como las series, sí aportan relevancia y variedad.
La industria cinematográfica tradicional siempre ha sido escéptica con la decisión de estrenar directamente en plataforma producciones de gran presupuesto. El argumento habitual es sencillo: si un título funciona en Netflix, ¿por qué no lanzarlo antes en salas y aprovechar para facturar algo en taquilla? Para muchos distribuidores y exhibidores, renunciar a esa fuente de ingresos es casi pecado capital.
Netflix, sin embargo, calcula el retorno de forma distinta. Para la compañía, lo central es el impacto que un estreno tiene en suscriptores nuevos, permanencia de los actuales y valor percibido del servicio. Si una ventana teatral más larga complica la experiencia del usuario, reduce la sensación de exclusividad y no aporta un beneficio claro en términos de fidelización, el sacrificio no compensa.
Cuando recurre a las salas, lo hace principalmente por tres razones: cumplir requisitos de elegibilidad de ciertos premios y festivales, seducir a cineastas que no quieren renunciar del todo al estreno en pantalla grande y, cada vez más, amplify el fenómeno cultural de algunos títulos con estrenos puntuales muy ruidosos.
En este contexto, las salas pasan a verse como un circuito secundario, pero tremendamente útil como herramienta de promoción. Netflix ya ha explorado incluso fórmulas más allá del cine convencional, como proyectos para reconvertir centros comerciales en espacios de experiencia inmersiva ligados a sus franquicias, a medio camino entre el parque temático y el showroom, siempre con el objetivo último de reforzar su ecosistema y derivar a la audiencia de vuelta a la plataforma.
Beneficios del streaming: acceso global, diversidad y nuevos refugios creativos
Más allá de la batalla con las salas, el streaming ha aportado ventajas claras al ecosistema audiovisual. Una de las principales es la democratización del acceso a contenidos de todo tipo y procedencia. Películas y series que antes habrían tenido un recorrido mínimo ahora pueden llegar a audiencias internacionales con un clic.
Títulos como “Roma”, estrenada mundialmente en Netflix, han logrado mezclar reconocimiento de crítica, premios de la industria (incluido el Oscar a mejor película extranjera) y un alcance global impensable para una producción en blanco y negro y en español distribuida por canales tradicionales. Este tipo de casos ha abierto la puerta a obras en idiomas menos hegemónicos, como el coreano, el español o el hindi, que encuentran su nicho a escala planetaria.
El streaming también se ha convertido en un refugio real para el cine independiente y los creadores emergentes. Plataformas como Amazon Prime Video o Hulu han invertido en la adquisición de derechos de películas pequeñas, garantizando su distribución global sin exigir una campaña de marketing mastodóntica. “Manchester by the Sea”, por ejemplo, distribuida por Amazon, acabó ganando dos Oscars, demostrando que el circuito digital puede competir de tú a tú con las majors en términos de prestigio.
Además, el hecho de que las plataformas sean a la vez productoras y distribuidoras ha eliminado una parte de los intermediarios del proceso. Esto permite estructuras de coste diferentes, márgenes más flexibles y, en algunos casos, mayor libertad creativa para los directores, que negocian directamente con quienes pondrán el producto ante los espectadores de todo el mundo.
Para los profesionales que se están formando hoy, esto abre un abanico de posibilidades enorme. Carreras universitarias y escuelas de cine han incorporado asignaturas centradas en cómo posicionar proyectos dentro del ecosistema de plataformas, cómo usar los datos y el análisis de audiencias a su favor y cómo planificar estrategias de visibilidad adaptadas a algoritmos de recomendación cada vez más sofisticados.
Desafíos: saturación, visibilidad y futuro de las salas
El reverso de este aparente paraíso es que el mercado del streaming se ha saturado a una velocidad increíble. Informes como el de Deloitte en 2023 señalan que más del 60% de los usuarios había cancelado al menos una suscripción en los últimos meses por el coste acumulado de mantener varios servicios a la vez.
Esta realidad obliga a las plataformas a una guerra sin cuartel por el tiempo del espectador. El resultado es una producción masiva de contenido que hace que muchas obras se pierdan en un océano de estrenos semanales. Para las películas con presupuesto moderado o sin gran campaña detrás, destacar entre cientos de opciones es misión complicada.
Los cineastas emergentes se enfrentan así a una paradoja: nunca ha sido tan fácil llegar teóricamente a un público global, pero al mismo tiempo nunca ha sido tan difícil asegurarse de que ese público llegue a ver su obra. Sin inversión en promoción, presencia en la portada de la plataforma o un empujón algoritmo-magnético, es fácil que una película quede enterrada en el catálogo sin apenas ruido.
En paralelo, las salas de cine siguen lidiando con la caída de asistencia y la competencia de experiencias domésticas cada vez mejores: televisores 4K gigantes, barras de sonido avanzadas, sistemas de cine en casa accesibles y una oferta inacabable on demand. Los cines tienen que reinventarse, apostar por el valor añadido (butacas más cómodas, eventos especiales, reestrenos, proyecciones singulares) y convivir con un público acostumbrado a elegir qué ver y cuándo verlo.
Pese a todo, la pantalla grande mantiene un prestigio simbólico que el streaming no ha logrado replicar del todo. Ganar un premio importante en un festival de clase A, conseguir una gran recaudación en taquilla o llenar una sala con fans entregados sigue siendo el sueño de muchos directores, incluso de aquellos que hoy trabajan principalmente para plataformas.
Nuevos hábitos de consumo: maratones, algoritmos y personalización
El comportamiento de la audiencia se ha transformado tanto como las estructuras industriales. En lugar de ajustarse a horarios fijos de programación, los espectadores ahora ven lo que quieren, cuando quieren y en el dispositivo que les apetece. Este modelo bajo demanda ha popularizado el binge-watching, el maratón de capítulos que se ve del tirón durante horas o días.
Las plataformas han adaptado su estrategia a estos hábitos: muchas series se lanzan completas desde el primer día para fomentar esas maratones, y la narrativa seriada se diseña pensando en el consumo continuado, con ganchos constantes al final de cada episodio para evitar que el usuario “salte” a otro título del catálogo.
Los algoritmos de recomendación tienen un papel central en este ecosistema. Analizan al detalle las preferencias, el tiempo de visionado, las pausas, los abandonos y las repeticiones para sugerir contenido personalizado y mantener al espectador dentro de la plataforma. Para los creadores, entender estos mecanismos empieza a ser casi tan importante como manejar el lenguaje audiovisual clásico.
Este giro condiciona el modo en que se planifican los proyectos: desde la duración de los episodios hasta la estructura de las temporadas, pasando por la elección de géneros, ritmos y temas que funcionan mejor en entornos de visionado continuado. Es un reto para el cine más tradicional, acostumbrado a una experiencia compacta de dos horas en la butaca, sin interrupciones ni algoritmos mediando.
Los centros de formación que han sabido leer el cambio, como el mencionado Grado en Cine de la Universidad del Atlántico Medio, han empezado a enseñar a sus alumnos a moverse en un entorno donde tecnología, análisis de datos y creatividad van de la mano. No se trata solo de rodar un buen plano, sino de comprender cómo ese contenido vivirá y se distribuirá en plataformas globales hipercompetitivas.
En este escenario en constante movimiento, la industria del cine se está reescribiendo sobre la marcha: Netflix y el resto de plataformas han roto la rigidez del viejo sistema, han abierto la puerta a una mayor diversidad de voces y formatos y, al mismo tiempo, han creado nuevos retos de visibilidad, sostenibilidad económica y preservación de la experiencia colectiva en salas. Lograr un equilibrio entre innovación tecnológica, modelos de negocio viables y respeto por la magia de la gran pantalla es la gran tarea pendiente de los próximos años.
